WELL ART - Ewelina Skowrońska: "Immergo i tessuti nelle piante come in preghiera"

East–East non è l'ennesimo tentativo di mitizzare l'Oriente e di rappresentarlo come un esotico contrappunto all'Occidente. Invece di perpetuare stereotipi, il curatore Paweł Pachciarek costruisce una narrazione del Giappone attraverso il prisma delle storie personali di artisti le cui vite, seppur in modi diversi, sono intrecciate con questo paese. Le loro esperienze di migrazione, ridefinizione dell'identità e ri-radicamento creano una narrazione a più voci sull'essere tra poli culturali, geografici e linguistici.

Tra i co-creatori delle opere esposte nella mostra East–East c'è Ewelina Skowrońska, un'artista visiva che torna sulla scena artistica polacca dopo un decennio trascorso e lavorato in Giappone. I suoi tessuti tinti a mano assumono la forma di totem contemporanei, paesaggi vegetali su seta, trasmettendo un messaggio di connessione spirituale. Attraverso composizioni organiche, parla della necessità di tornare a pratiche semplici radicate nella natura.

Poco prima della cerimonia di chiusura, parliamo con l'artista del ruolo delle tecniche tradizionali nella costruzione della sensibilità contemporanea, dell'influenza dell'estetica giapponese sulla sua pratica creativa e di come l'arte possa essere un tentativo di organizzare la realtà, sia personale che collettiva.

Un'artista polacca dopo un decennio vissuto in Giappone. In che modo l'Oriente ha cambiato la sua prospettiva sull'arte e sulla vita?

Maria Jasek, Well.pl: "East–East" è la seconda mostra al Museo Manggha che presenta il tuo lavoro. Questa volta sei l'unica artista polacca. Quali novità apporti, a livello formale, emotivo e tematico?

Ewelina Skowrońska: La mia precedente mostra al Museo Manggha faceva parte di un progetto avviato in Giappone, che ho prodotto insieme a Monika Brauntsch, attiva anche nella Fondazione Spirit of Poland. Si trattava di una mostra intitolata "Forza Interiore - Le Donne di Polonia e Giappone", dedicata a donne di due culture diverse. Volevamo esplorare le loro esperienze, i loro bisogni e ciò che le unisce e le differenzia. Abbiamo invitato cinque artiste giapponesi e cinque polacche a partecipare, e la mostra si è concentrata principalmente su illustrazione e graphic design.

Oltre al fatto che "East-East" differisce dal progetto precedente in termini di contenuti, è la prima presentazione importante del mio lavoro da quando sono tornato in Polonia, e la prima così chiaramente ambientata in un contesto polacco. Sono lieto che il mio lavoro venga esposto nell'ambito di una discussione più ampia sulle relazioni Est-Ovest, con riferimenti al Giappone ma anche con un forte accento polacco.

Ti sei trasferito in Giappone 10 anni fa e ci sei rimasto per un po'. Era questo il piano?

Anni prima, durante la mia prima visita in Giappone, avevo brevemente accarezzato il pensiero: "Potrei vivere qui un giorno". E in effetti, qualche anno dopo, quel sogno si è avverato, anche se è stato il lavoro del mio compagno a dettarlo. È un po' il tipo di storia del tipo "fai attenzione a ciò che desideri, potrebbe avverarsi".

Questo è avvenuto dopo i tuoi studi artistici, quindi da un punto di vista accademico eri già un'artista matura. In che modo questo cambiamento culturale ha influenzato il tuo lavoro? Lo ha sviluppato o, piuttosto, gli ha dato una direzione completamente diversa?

Da un punto di vista accademico, sì, ma oggi sento che la mia maturazione artistica è iniziata in Giappone. Non voglio idealizzare e dire che quella cultura mi ha cambiato. Credo che ogni ambiente influenzi una persona, che si tratti di Londra, della Polonia, del Giappone o del Sud America. Cerco di affrontare questo tipo di domande con cautela, perché non è che abbia "guadagnato" qualcosa. È stata, senza dubbio, una tappa importante.

Il mio lungo soggiorno in una cultura straniera, inizialmente senza alcuna possibilità di comunicazione perché i giapponesi parlavano poco inglese, si è trasformato in un'esperienza di silenzio in cui ho ascoltato me stesso. Ho capito allora che provenivo dall'Europa, dalla Polonia, che la mia provenienza era importante. Che anche il momento della mia nascita mi aveva plasmato. Grazie a questa opposizione culturale ed emotiva, ho potuto guardare più in profondità.

Inoltre, sono diventato più sensibile a cose che in Europa sono meno apprezzate. L'artigianato, il lavoro manuale, la pazienza, l'attenzione ai dettagli: lì è un piacere, trattato come una forma d'arte, e il processo è importante quanto il risultato finale. Ho anche prestato maggiore attenzione alla natura, non in modo idealizzato, ma come qualcosa di cui siamo parte.

Tinture naturali, seta e piante: l'arte di Ewelina Skowrońska come pratica spirituale

Siamo qui davanti ai tessuti che hai tinto con coloranti vegetali naturali. Nel tuo lavoro, la natura non solo ha un significato, ma diventa anche uno strumento che utilizzi consapevolmente per ottenere uno specifico effetto visivo. Qual è l'aspetto più importante nell'interpretazione delle opere East-East?

I lenzuoli sono di seta e la maggior parte delle tinture proviene da piante che ho raccolto personalmente. Mi sono ispirato all'idea di talismani e totem, oggetti a cui le persone si sono rivolte per secoli in cerca di protezione, sostegno, buoni raccolti o sicurezza. Volevo creare versioni contemporanee che affrontassero le sfide del mondo moderno.

Ogni colore del tessuto si basa su piante accuratamente selezionate, note per il loro utilizzo in erboristeria e pratiche spirituali. Queste sono composizioni di mia creazione, pozioni che, secondo la tradizione, possiedono un'energia e un significato specifici.

In un mondo pieno di incertezza, cambiamento e senso di perdita, oggi abbiamo particolarmente bisogno di luoghi di conforto. Spazi che ci permettano di incontrare l'invisibile, l'intuitivo e difficile da razionalizzare, eppure profondamente sentito. Un tessuto intitolato "Speranza" ne è un esempio, poiché è qualcosa di cui abbiamo particolarmente bisogno oggi. Un'altra opera affronta il concetto di fertilità, intesa non solo letteralmente, ma anche come potenziale creativo, la capacità di dare inizio a qualcosa di nuovo. Questa è l'energia necessaria per trascendere gli schemi consolidati e aprirci al cambiamento e alla creazione di nuovi modi di pensare.

Non è un processo che richiede molto tempo?

Sì. Utilizzo tecniche tradizionali che richiedono molto tempo, pazienza e la massima attenzione in ogni fase del processo. Lavoro con piante vive, non con pigmenti già pronti. Alcune le raccolgo io stesso, altre le compro da negozi specializzati in piante per tintura. Le piante devono prima essere essiccate e poi lasciate a lungo in ammollo per preparare il bagno di tintura. Sotto l'effetto dell'acqua e della temperatura appropriata, si "aprono" e rilasciano i coloranti. Immergo quindi il tessuto, precedentemente preparato per la tintura, in questo bagno.

È un processo alchemico lento e arduo, ma profondamente appagante, che per me è una sorta di dialogo, un incontro con le piante, esseri che considero come antenati da cui attingere conoscenza. Ogni pianta ha il suo carattere, la sua personalità e il suo comportamento, quindi, nonostante la meticolosità del lavoro, il risultato finale non è mai del tutto certo, ed è questa imprevedibilità che aggiunge magia all'intero processo.

Non è la prima volta che lavori con le piante. Perché questo argomento, e quindi questo materiale, si sono rivelati così importanti per te?

Questo è uno dei motivi per cui considero la mia maturazione artistica in Giappone. È stato lì che ho iniziato a lavorare intensamente con le piante: studiandole, studiandole e imparandone le proprietà. Qui, all'interno di East-East, posso presentare appieno i risultati di questo percorso.

Nella cultura giapponese, il rapporto con la natura non è tanto una filosofia quanto un modo fondamentale di vivere e di percepire il mondo. Lì, la natura è profondamente rispettata, unita alla consapevolezza del suo immenso potere. La natura non è solo fonte di bellezza, ma anche qualcosa di duro e imprevedibile. Terremoti e tifoni sono, dopotutto, eventi quotidiani.

Nonostante queste minacce, o forse proprio per questo, la natura è considerata una parte inseparabile della vita. Questa completa accettazione di tutti i suoi aspetti mi ha profondamente colpito. Credo che si differenzi significativamente dall'approccio occidentale, in cui spesso percepiamo la natura come qualcosa di esterno. Un luogo in cui "andiamo" per una vacanza o un weekend, trattandolo come uno spazio di relax e di evasione, piuttosto che come una parte necessaria della nostra esistenza, senza la quale non potremmo esistere come esseri umani.

L'arte come cooperazione con la natura, non come dominio

Dal punto di vista della vita cittadina, la vicinanza alla natura non è scontata. Gli abitanti delle città spesso pensano che sia qui che si svolge la vera vita, che solo in una grande città si possa davvero funzionare, svilupparsi e lavorare. Tuttavia, questo è vero solo in parte e, per di più, una tale scelta richiede il sacrificio di qualcos'altro. Sebbene le città offrano angoli di verde, i loro abitanti spesso perdono un profondo legame quotidiano con la natura.

Le tue opere rispondono a questo desiderio, come se ci invitassero a un incontro intimo con qualcosa di primordiale, silenzioso e autentico. Come percepisci il rapporto tra uomo e natura? Cosa significa per te?

A volte mi chiedo se "relazione" sia la parola giusta. Ma sì, è il termine giusto, anche se sono più fermamente convinto che non siamo "dall'altra parte" della natura. Ne siamo parte. Tutti noi. Eppure spesso lo dimentichiamo. Negli ultimi decenni, la nostra civiltà si è concentrata sullo sviluppo della scienza, sul pensiero razionale e sull'ordinamento del mondo secondo categorie patriarcali e binarie. Per me, questa è un'enorme semplificazione. Osservando la natura e ciò che accade al suo interno, è facile rendersi conto che nulla è netto. Tutto può essere "questo e quello" contemporaneamente. La natura può essere gentile, offrendo conforto e un senso di sicurezza, ma anche brutale, distruttiva e imprevedibile. Può dare la vita, ma anche toglierla. Queste qualità opposte non si escludono a vicenda; coesistono, come l'idea di yin e yang. Ed è in questa ambiguità che vedo la verità.

Per me, la natura non è un mondo a sé stante, ma qualcosa che ci sostiene e ci crea. Senza le piante, non ci sarebbero gli esseri umani. Respiriamo l'aria che producono, ci nutriamo di loro e guariamo grazie a loro. La maggior parte dei farmaci affonda le sue radici nelle piante. Solo 150 anni fa, tingevamo i tessuti con pigmenti naturali – un tempo un sapere comune e vivente. Oggi è quasi completamente dimenticato. Cerco di farvi riferimento attraverso il mio lavoro, non per rievocare il XVIII secolo, ma per dire qualcosa di importante sul futuro.

Mi sforzo di trascendere i modi di pensare antropocentrici. Ad esempio, quando lavoro con le piante, non le tratto come strumenti di pittura. Non sono mezzi per raggiungere un fine: sono mie co-creatrici. Ogni pianta ha il suo carattere, la sua personalità e il suo modo di reagire ai materiali e alle condizioni. È impossibile controllarla completamente. Certo, posso pianificare alcune fasi del processo, ma devo anche permettere loro di essere se stesse, per eliminare il mio ego di artista. Ed è qui che vedo il significato di questa collaborazione. Non si tratta di dominazione, sfruttamento o saccheggio, come spesso facciamo con la natura. Si tratta di partnership.

Le piante, la loro struttura e il loro comportamento, racchiudono una conoscenza e una spiritualità immense che abbiamo dimenticato. E, cosa più importante, sono tutte accessibili. Non servono cinque dottorati o un viaggio nella natura selvaggia. È tutto a portata di mano. Basta fermarsi e guardare.

Carta washi, ceramica e la filosofia del wabi-sabi

Abbiamo già parlato delle differenze tra Europa e Giappone e di come influenzano la vita quotidiana e la nostra percezione della natura. Ma che dire delle mostre? Hai esposto numerose opere in Giappone: hai incontrato usanze o pratiche che ti hanno sorpreso? O hai notato differenze significative rispetto alle tue esperienze alle mostre in Europa?

Penso che il mercato dell'arte giapponese, come qualsiasi altro, abbia le sue regole. Ma vale la pena ricordare che il concetto di arte contemporanea in Giappone è un fenomeno relativamente nuovo, in un certo senso "importato" dall'Occidente.

Ho avuto la fortuna di incontrare persone interessate al mio lavoro. A un certo punto, io e due amiche abbiamo affittato un edificio a Tokyo e abbiamo creato il nostro spazio artistico. Era una galleria, ma anche un luogo per incontri, eventi pop-up e conversazioni. Ho poi avviato il progetto ONA Project Room, uno spazio a supporto di artiste che si identificano come donne. Organizzavamo mostre una volta al mese: alcune artiste venivano invitate, altre venivano selezionate tramite open call. Il progetto è durato quasi tre anni e durante questo periodo abbiamo organizzato un numero significativo di eventi.

In Giappone ci sono poche iniziative artistiche indipendenti e di base. Abbiamo musei, gallerie private e... fondamentalmente è tutto. Manca il sostegno statale sotto forma di finanziamenti pubblici, quindi gli artisti raramente creano i propri spazi, non solo per motivi finanziari ma anche culturali. Ecco perché l'ONA Project Room è diventato un luogo significativo a Tokyo, e credo che abbia risposto a un bisogno reale della comunità. Siamo riusciti a creare qualcosa di valido.

Questa è una delle lezioni che ho imparato dal Giappone: se manca qualcosa e hai la forza dentro di te, vale la pena crearla.

Attualmente lavori principalmente con i tessuti. C'è un'altra tecnica artigianale che ti affascina particolarmente e che ti piacerebbe sperimentare nei tuoi lavori un giorno?

Il Giappone è un vero e proprio tesoro di artigianato, che mi ha profondamente ispirato. Ho studiato incisione e per molti anni ho gestito uno studio a Tokyo, dove mi sono occupato, tra le altre cose, di xilografia, una tecnica di stampa tradizionale. E quando penso alla xilografia, penso subito alla carta washi. Ho avuto la fortuna di lavorare con un maestro cartaio che coltiva le piante necessarie per la sua produzione. Sotto la sua guida, ho creato io stesso i fogli. Questo processo, pieno di pazienza e rispetto – dalla raccolta delle piante, all'essiccazione nella neve, fino al disegno a mano in acqua fredda – mi ha fatto capire quanto impegno e umiltà ci vogliano per creare un singolo foglio di carta fatta a mano.

Lo stesso vale per la ceramica, che ho esplorato da vicino. Il processo di cottura a più fasi insegna il rispetto per le cose che diamo per scontate ogni giorno e che spesso buttiamo via senza pensarci. Chi riparerebbe le tazze Ikea usando la tecnica del kintsugi, che prevede l'incollaggio di pezzi rotti con l'oro? È uno dei metodi che si allinea splendidamente con la filosofia giapponese del "wabi-sabi", ovvero l'apprezzamento delle imperfezioni e della bellezza transitoria delle cose.

Per rispetto della tradizione, non ho subito utilizzato una delle tecniche di tintura più note, l'indaco, nonostante la trovi molto affascinante. Ho intenzione di partecipare a una residenza artistica per esplorarla in modo più consapevole e vedere come potrei integrarla nel mio lavoro.

East–East a Cracovia: gli ultimi giorni di una mostra che unisce spiritualità, arte e storie di migranti

East–East inaugura una nuova fase del tuo lavoro: è la tua prima mostra da quando sei tornato definitivamente in Europa. Dove potremo vedere i tuoi lavori nel prossimo futuro?

Al momento sto facendo la spola tra Londra e Breslavia, quindi mi sto risistemando. So già che a ottobre i miei lavori su carta saranno esposti in una mostra organizzata dalla Camden Open Air Gallery nell'ambito della Frieze Week di Londra. Più avanti, all'inizio dell'anno prossimo, un mio lavoro tessile apparirà in una mostra dedicata specificamente ai tessuti in una galleria di Varsavia.